Тернер уильям картины

Содержание

10 лучших картин Уильяма Тернера

240 лет назад родился знаменитый английский художник Уильям Тернер. Предлагаем читателям обзор десяти лучших картин этого автора.

Печальны помыслы мои

Но ты, великая Природа,

Коснись меня и оживи!.

Как с наступлением весны

Цветут бесплодные долины.

Как оживляет свет луны

Ночные серые руины.

(А. Теннисон)

Уильям Тёрнер. Автопортрет. 1799

Одним из ярких представителей живописи Викторианской эпохи (период правления английской королевы Виктории в 1837—1901 гг.) был художник Уильям Тернер. Сын парикмахера, получивший самое простое образование, он вошел в историю искусства своими прекрасными романтическими пейзажами, морскими батальными сценами, акварелями и гравюрами. Его называли предшественником французских импрессионистов.

Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (англ. Joseph Mallord William Turner) родился 23 апреля 1775 года в лондонском районе Ковент-Гарден.

С 1785 года из-за болезни матери он был отправлен к дяде в Брентфорд, где впервые проявил интерес к изобразительному искусству.

Окончив школу в конце 1780-х и немного поработав у лондонских архитекторов и топографов Уильям поступил в 1789 году в Королевскую академию. Экзамены у него принимал Джошуа Рейнолдс (Первый президент академии). Лекции Рейнолдса по идеалистическому направлению в искусстве оказали впоследствии большое влияние на творчество Тернера.

Уже через год учебы акварельная работа Уильяма Тернера удостоилась экспозиции в Академии. В том же 1790 году Тернером была написана картина маслом, которая также экспонировалась на академической выставке.

С 1791 года Тернер работал художником-сценографом, давал уроки и писал многочисленные пейзажи, совершая этюдные поездки по Европе.

В 1799 году он был избран членом-корреспондентом Королевской академии. Его картина «Море у Бриджуотера», выставленная в Академии в 1801 году, имела большой успех, и в 1802 году он был удостоен звания королевского академика, что давало ему право выставлять свои работы без предварительного отбора их комиссией.

Его эмоциональные акварели своей выразительностью и мастерством исполнения не уступали масляной живописи.

На посту профессора перспективы, который он занимал в академии с 1807 года, Тернер разработал программу, посвященную вопросам «поэтической живописи».

Но впоследствии общество Викторианской эпохи под влиянием критики коллекционера и художника сэра Джорджа Бомона стало прохладно принимать живопись Уильяма Тернера, представлявшую для того времени новый тип пейзажа – легкий, без лишней детализации, наполненный яркими красками и граничащий в чем-то с абстракционизмом. Не смотря на то, что его поддержал английский художник, писатель и теоретик искусства Джон Рёскин, королева Виктория отказалась возвести Тернера в рыцарское достоинство.

Умер Уильям Тернер 19 декабря 1851 года в Лондоне и был похоронен согласно своему завещанию у собора Святого Павла.

1. Рыбаки в море. 1796 год

Рыбаки в море. 1796 г. 91 x 122 см. Холст. Масло. Тейт Британ, Лондон, Великобритания

Эта картина была выставлена в Королевской академии в 1796 году вместе с десятью его акварельными работами и получила похвальные отзывы, а пресса отметила владение Тернером масленой живописью на уровне академического мастерства.

Уже в этом своем раннем полотне Тернер передал ощущение смятения и неустойчивости бытия, свойственное его мировосприятию и проявившееся во всех его последующих произведениях.

2. Озеро Баттермир, с радугой и ливнем. 1798 год

Озеро Баттермир, с радугой и ливнем. 1798 г. Холст, масло. Тейт Британ, Лондон, Великобритания

В этой работе Уильям Тернер показал новую ступень своего мастерства и одновременно явил столь характерное ему художественное свободомыслие, изобразив отражение радуги в глади озера.

3. Пантеон, утро после пожара. 1792 год

Пантеон, утро после пожара. 1792 г. Акварель, 39,5 x 51,5 см Тейт Британ, Лондон, Великобритания

В 1792 году состоялась первая поездка Уильяма Тернера по Британии. В поездке он делал зарисовки городских видов. Тернер был нанят для декорации Пантеона (ротонды римского образца) на Оксфорд-стрит. Но уже через полгода – 14 января 1792 года – огонь уничтожил здание. Сделав на следующий день зарисовки последствий пожара, Тернер затем написал акварелью картину, которая была выставлена в Академии.

4. Переход Ганнибала через Альпы. 1812 год

Переход Ганнибала через Альпы. 1812 237,5 x 146 см. Холст. Масло. Тейт Британ, Лондон, Великобритания.

Ко времени написания этой картины в пейзажах Уильяма Тернера все более важное место стала занимать световоздушная среда (атмосфера во всех ее проявлениях). Уже в этой – одной из своих ранних работ – Тернер мастерски изобразил разгул стихии в огромном пространстве, рядом с которым человек почти не заметен.

На картине изображено историческое событие – переход карфагенского полководца Ганнибала через Альпы в 218 году до н. э. Выбрав именно этот исторический момент художник символически изобразил события 1812 года, предвозвестившие окончательное поражение Наполеона в последующей через три года битве при Ватерлоо.

5. Последний рейс корабля «Отважный» («Бесстрашный»). 1839 год

Последний рейс корабля «Отважный» («Бесстрашный»). 1839 г. 121,9 x 90,8 см. Холст. Масло. Лондонская Национальная галерея, Лондон, Великобритания.

Эту картину Уильям Тернер написал больше как историческое свидетельство прощания с одним из прославленных фрегатов Трафальгарского сражения.

6. Современный Рим — Кампо Ваччино. 1839 год

Современный Рим — Кампо Ваччино. 1839. холст, масло. 90,2 × 122 см.
Музей Гетти, Лос-Анджелес

Развалины Римского форума, изображенные на картине, в старину иногда называли Кампо Ваччино (Campo Vaccino — «пастбище для коров»).

Картина была выставлена в Королевской академии художеств 1839 года и входит в серию Римских видов, написанных Уильямом Тернером в течение двух десятилетий.

7. Большой канал в Венеции. 1835 год

Это полотно было написано на пике славы художника. Город, вдохновлявший многих художников, конечно не оставил равнодушным и Уильяма Тернера – певца красоты стихии и пейзажа, – который бывал в Венеции многократно. На картине Тернер воссоздает солнечную атмосферу прекрасного города посредством яркости красок и воздушной глубины цвета, слегка обозначив композицию при помощи рисунка. Большой канал изображен со стороны церкви Санта Мария делла Салуте (на картине она виднеется справа). На заднем плане слева видна колокольня собора св. Марка и Дворец дожей.

Большой канал в Венеции. 1835. Холст, масло. 91,4 х 122,2 см. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Картина «Большой канал в Венеции», признанная одной из лучших работ Уильяма Тернера, была представлена с четырьмя другими произведениями художника на выставке в Королевской академии в 1835 г.

8. Гора Риги: вид на Люцернское озеро на восходе. 1842 год

Об этой акварели Уильяма Тернера, написанной после поездки в Швейцарию, английский искусствовед Джон Рёскин был очень высокого мнения.

Гора Риги: вид на Люцернское озеро на восходе. 1842 г. Акварель, бумага, 45 x 29,7 см. Тейт Британ, Лондон, Великобритания.

Картина является сегодня национальным достоянием Англии.

9.Метель. Пароход выходит из гавани и подает сигнал бедствия, попав в мелководье. 1842 год

Метель. Пароход выходит из гавани и подает сигнал бедствия, попав в мелководье. 1842 г.
Холст, масло. 91,5 x 122. Галерея Тейт, Лондон, Великобритания.

Полотно живописца, наиболее подвергшееся беспощадной критике. Предчувствуя гениальной интуицией художника приближение катастроф времени, Тернер попытался передать свое ощущение в образе шторма.

10. Пейзаж с далекой рекой и плотиной. 1835-1840 годы

Пейзаж с далекой рекой и плотиной. 1835-1840. Холст, масло. 93×123.
Париж, Лувр.

В этой картине, как и во многих других своих пейзажах, Уильям Тернер мастерски передает воздушность атмосферы, оттененную ярким сочетанием красок. Размытость очертаний и плавный переход цветов, формирующий объем, столь характерные для стиля Тернера, отличали его творчество от живописи старых мастеров. Такая манера письма приближала его произведения к абстракции, в полной мере явившейся в изобразительном искусстве лишь спустя полвека. Уильям Тернер опережал в своей живописи время, в котором ему было суждено творить, и поэтому оставался до конца непонятым современниками.

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775-1851),часть2

Автор — Ела2012. Это цитата этого сообщения

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775-1851),часть2


Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775-1851),часть1
http://www.liveinternet.ru/users/5124893/post339604845/
«…Будучи около 45 лет от роду, он нашел свою собственную дорогу и совершил тут великие чудеса. Он задумал изобразить солнце, солнечный свет и солнечное освещение с такою правдою, какой до него в живописи еще не бывало. И он стал добиваться передачи солнца во всей его лучезарности. Он долго искал, но своего добился и высказал на холстах то, чего раньше его никто еще в самом деле не давал».
Знаменитый русский критик В.В. Стасов

Self-Portrait
1799
Первым в европейской живописи Тернер изображал атмосферные эффекты. Туман, воздушная дымка на закате солнца, клубы паровозного пара или просто облако становились для него полноправными мотивами. Тернер создал серию акварелей «Реки Франции», в которую входила и очень тщательно проработанная акварель «Руанский собор», сделанная на основе набросков еще 1821 года. Она часто выставлялась в XIX веке и, возможно, послужила толчком для серии картин Руанского собора Клода Моне (1892-1894). Моне не раз бывал в Лондоне, был, в частности, в 1892 году и изучал вещи Тернера. В некоторых акварелях Тернер предвосхищает Моне, стараясь запечатлеть одно и то же место в разное время суток.
Фрегат «Отважный», буксируемый к месту последней стоянки на слом (1838) — работа позднего периода.

Sun Rising through Vapour
1839
The National Gallery, London
Картина написана Уильямом Тернером в 1839 году. Полное ее название – «Фрегат Бесстрашный: буксируемый на свою последнюю стоянку, чтобы быть уничтоженным». Как полагают эксперты, художник ставил цель создать картину, увековечившую корабль-легенду Трафальгарского сражения, во время которого флот Британии одержал важную победу над франко-испанской флотилией, при этом, задача создания законченного произведения имела второстепенное значение.
Именно после этого сражения Наполеон смирился с превосходством англичан на море.
В творческой среде, мнения о работе носят довольно противоречивый характер, т. к. вид некогда знаменитого фрегата, явно меркнет перед гордыми очертаниями судна-буксира. Особенно досталось от критиков, считавших одновременное изображение луны и солнца, а также ряд отдельных моментов, немыслимым. Полагают, что таким образом символически отображен переход от Старого мира к Новому.
Ко времени написания картины художнику было за 60, он достиг такого уровня мастерства, что водные и воздушные стихии на его работах, ощущались почти на физическом уровне.
Тёрнер очень любил эту картину, называл её «моя дорогая» и отказывался её продавать. Вряд ли она написана художником с натуры. Поэтический и грустный образ старого корабля, отправившегося в свой последний путь, скорее всего, рождён фантазией художника. Этот образ был для стареющего художника не только щемящим сердце символом уходящей эпохи парусников, но и напоминанием о бренности земного бытия вообще.

Calais Sands, Low Water, Poissards Collecting Bait, 1830

Pilate Washing his Hands exhibited 1830

Caligula’s Palace and Bridge

Carthage

Corsica, 1830-32

The Harbour of Brest: The Quayside and ChГўteau
1826-8
Vision of Medea 1828
Видение Медеи
«Coast Scene near Naples,
1828
Побережье недалеко от Неаполя
Alnwick Castle,
1829
Замок Алник,
Genoa circa 1830
View of Kenilworth Castle, 1830
Life-Boat and Manby Apparatus going off to a Stranded Vessel making Signal of Distress,
1831
«Tancarville from the East (‘Front View’) circa 1832
Alpine Village after
circa 1830
Honfleur
circa 1832
The Pyramids at Gizeh,
1832
Rouen Cathedral circa 1832
Rouen, Looking Downstream circa 1832
JumiГЁges circa
1832
Antwerp — Van Goyen Looking Out for a Subject,
1833
Christ Driving the Traders from the Temple circa
1832
Изгнание торгующих из Храма
View on the Seine between Mantes and Vernon (Rolleboise on the road from Bonnieres) circa 1833
Van Tromp Returning after the Battle off the Dogger Bank exhibited
1833
Ван Тромп. Возвращение после битвы
Venice, the Bridge of Sighs, Ducal Palace and Custom House,
1833
Paris — Hotel de Ville, 1833
Paris from the BarriГЁre de Passy circa 1833
Paris: The MarchГ© aux Fleurs and the Pont au Change circa 1833
The Temple of Poseidon at Sunium (Cape Colonna)
circa 1834
The Burning of the Houses of Lords and Commons, 16th October
1834
Горящие палаты Лордов и Общин
холст, масло
Музей искусств, Филадельфия
The Grand Canal, Venice,
1834
Fountain of Indolence,
1834
Line Fishing, Off Hastings, 1834-39
Wreckers — Coast of Northumberland, with a Steam-Boat Assisting a Ship Off Shore,
1834
Line Fishing, Off Hastings,
1834-39
The Burning of the Houses of Parliament,
Горящее здание парламента
1835
Холст. Масло. 92,7 x 123 см
Venice, from the Porch of Madonna della Salute
1835
Венеция, с крыльца Мадонны делла Салюте
Arch of Constantine, Rome,
1835
Rainbow,
1835
Keelmen Heaving in Coals by Moonlight,
1835
Угольщики, грузящие уголь ночью
Национальная галерея искусств (Вашингтон)
Landscape with a River and a Bay in the Background,
1835-40
Пейзаж с рекой и заливом
Лувр
Venice, the Bridge of Sighs
Венеция, Мост вздохов
Rome, from Mount Aventine, 1836
Fort of L`Essillon, Val de la Maurienne, France,
1836
The Parting of Hero and Leander
The National Gallery, London
The Death of Actaeon, with a Distant View of Montjovet, Val d’Aosta
1837
Смерть Актеона
Valley of Aosta — Snowstorm, Avalanche and Thunderstorm,
1837-38
Ancient Italy – Ovid banished from Rome,
1838
Древняя Италия — Овида изгоняют из Рима
частная коллекция
Phryne Going to the Public Baths as Venus: Demosthenes Taunted by Aeschines exhibited 1838
The Iron Forges of Quint
1839
The River Esclavons,
1840
Река Esclavons,
Waves Breaking on a Lee Shore at Margate ,
1840
Волны бьющиеся о подветренный берег
Yarmouth Sands,
1840
«Slave Ship (Slavers Throwing Overboard the Dead and Dying, Typhoon Coming On),
1840
Работорговцы выкидывают за борт мертвых и умирающих. Надвигается тайфун.
частная коллекция
The New Moon; or, ‘I’ve lost My Boat, You shan’t have Your Hoop’ exhibited
1840
Oberwesel, 1840
The Sun of Venice, 1840
The Storm, 1840-45
Yacht Approaching the Coast
1840-45
Парусная яхта, подходящая к берегу
Галерея Тейт, Лондон, Великобритания
Giudecca, la Donna della Salute and San Georgio,
1841
Moonlight on Lake Lucerne with the Rigi in the Distance, Switzerland,
1841
Dawn after the Wreck,
1841
Рассвет после крушения
Вечный покой. «Похороны в море»
1842
холст,масло
Галерея Тейт, Лондон
Тёрнер представил, как могло выглядеть погребение его друга, шотландского художника сэра Дэвида Уилки, умершего при возвращении с Ближнего Востока и нашедшего последний приют в море у берегов Гибралтара после того как официальные власти в британском порту отказались принять тело – из опасений, что умерший болел холерой.
The Blue Rigi, Sunrise
1842
Гора Риги: вид на Люцернское озеро на восходе. 1842 г.
Акварель, бумага, 45 x 29,7 см.
Тейт Британ, Лондон, Великобритания.
В это время Тёрнер часто обращается к воспоминаниям о Венеции, а английские мотивы совершенно преображает своим светоцветовым видением. Он пишет закаты и, особенно часто, восходы. В этих картинах он мог применить свою новую палитру. Тёрнер имел дома на Темзе и на побережье Кента, откуда он каждое утро мог наблюдать восходы, и это было импульсом для создания тончайших по колориту холстов, в которых синтезировались восторженное созерцание, впечатление и грёза.
В наши дни, «Синяя Риги» (другое название картины), считается наиболее дорогой, в денежном выражении, акварелью, а для Великобритании, это национальное достояние. Правда, в 2007 году, эта работа Тернера чуть не покинула пределы Англии, но благодаря стараниям столичной галереи Tate, поступлениям от благотворительных организаций, а также частным пожертвованиям британцев, картину удалось выкупить за £4, 95 млн.
The Opening of the Wallhalla,
1842
The Red Rigi,
1842
Venice, Dogano, San Giorgio, Citella from the Steps of the Europa,
1842
War. The Exile and the Rock Limpet exhibited 1842
Lake of Lucerne,
1842-45
Озеро Люцерн
The Evening of the Deluge,
1843
Тень и мрак. Вечер перед Потопом
Галерея Тейт, Лондон, Великобритания
Light and Color – Moses Writing the Book of Genesis,
1843
Свет и цвет. Утро после потопа. Моисей пишет Книгу Бытия
Галерея Тейт, Лондон, Великобритания
Под впечатлением гётевского учения о положительных и отрицательных цветах и их эмоциональном воздействии на восприятие Тёрнер создал две удивительные картины: «Тень и Тьма. Вечер всемирного потопа» и «Свет и Цвет. Утро после всемирного потопа (Теория Гёте)». Библейские персонажи воспринимаются в них не более чем стаффаж, полностью поглощенные вихреобразными потоками воздушных масс, несущих угрозу всему живому. Обе картины на выставке в Академии в 1843 году сопровождались отрывками из поэмы Тёрнера с характерным названием «Обманчивость надежды», в которой воплощен глубокий пессимизм художника.
Ковчег твердо стоял на Арарате, и вернувшееся солнце
выпаривало влажные пузыри земли, и ревнивый свет
отражал ее последние формы, каждую в призматической форме,
предвестник надежды, эфемерный, как летний мотылёк.
Впрочем, сами картины не нуждаются в словесных комментариях. Все сказано космической деструкцией их нематериального строения, движением облаков, образующих гигантские воронки, цветом, который позже Синьяк сравнил с россыпями драгоценных камней.
Пожалуй, эти слова еще более применимы к тем поздним работам Тёрнера, в которых цвет, изысканный и радужный, приобретает все большее автономное значение, а предметные формы размываются в феерическом свечении и лишь иногда угадываются в смутных очертаниях. Кеннет Кларк был прав, назвав Тёрнера первым художником, открывшим, что цвет может воздействовать непосредственно, независимо от формы и сюжета. Это особенно верно в отношении многих поздних работ художника, которые он писал для себя и редко демонстрировал на выставках. Стилистически и по манере исполнения они часто близки к его акварелям. Они также прозрачны, напоены воздухом, так же излучают свет, как и его изумительные, утонченные и сложные по цвету, переливающиеся жемчужными оттенками акварельные листы.
The Lake of Zug, Early Morning,
1843
Озеро Цуг, Раннее утро, 1843
Venice, Dogano and Santa Maria della Salute,
1843
Национальная картинная галерея, Великобритания
St Benedetto, Looking towards Fusina exhibited
1843
Венеция, Сан-Бенедетто с видом на устье канала
Галерея Тейт, Лондон, Великобритания
Fishing Boats Bringing a Disabled Ship into Port Ruysdael exhibited
1844
Ostende,
1844
Van Tromp, Going About to Please His Masters,
1844
Rain, Steam, and Speed — The Great Western Railway,
1844
Дождь, пар и скорость. Паровоз «Грейт Вестерн»
Национальная Галерея. Лондон,Великобритания
«Дождь, пар и скорость. Большая западная железная дорога» (выставлена в 1844 г., Лондон, Национальная галерея) – одно из центральных произведений живописи ХIХ века, новаторское и по сюжету (первое изображение железной дороги), и по его художественному воплощению. Совершенно уникально уже название картины, данное самим художником, очень точно выражающее суть образа. С повышенно точки зрения, позволившей охватить широкое пространство, Тёрнер изобразил поезд, стремительно несущийся по мосту прямо на зрителя. Пятно чёрного паровоза и очертания моста – единственные внятные детали в этой картине. Всё остальное – река, противоположный берег, небо тонет в мареве влажного воздуха, с которым сливается пар, вырывающийся из трубы локомотива. Подобный свето-атмосферный эффект казался в то время совершенно немыслимым, хотя известно, что Тёрнер наблюдал его в натуре. Позже один из критиков писал, что художник «портретирует ничто и очень похоже» и пишет «подкрашенным паром». Но Тёрнер в то время был уже вполне состоятельным человеком и мог не заботиться об успехе и даже о понимании. Чем дальше, тем шире он демонстрировал абсолютную независимость в своём творчестве. То же, если не большее, разрушение материальности, подчиненное стремлению передать сложнейшие и, в основе, исполненные драматизма природные состояния, обнаруживает картина «Метель на море. Пароход» (1844, Лондон, Национальная галерея), в которой тёмный силуэт судна словно подхвачен деструктивным вихрем воздушных масс.
Whalers exhibited 1845
Whalers (The Whale Ship),
1845
Китобойное судно
Venetian Festival circa 1845
Venice — Sunset, a Fisher exhibited 1845
Sunrise with Sea Monsters c.1845
Восход с морскими чудовищами
The Angel Standing in the Sun,
1846
АНГЕЛ, стоящий на солнце
Undine Giving the Ring to Massaniello, Fisherman of Naples exhibited
1846
Going to the Ball (San Martino),
1846
Hurrah! for the Whaler Erebus! Another Fish!’ exhibited
1846
Whalers (Boiling Blubber) Entangled in Flaw Ice, Endeavouring to Extricate Themselves exhibited
1846
The Wreck Buoy,
1849
Heidelberg,
1849-1850
Europa and the Bull, 1840-50
Falls of the Clyde, 1840-50
Valley of Aosta, 1840-50
Долина Аоста
Mercury Sent to Admonish Aeneas exhibited
1850
The Visit to the Tomb exhibited 1850
Визит к Могиле
… Он умер, потянувшись к окну, чтобы еще раз взглянуть на Темзу и на солнце. Доктор, присутствовавший при его кончине, записал, что «как раз перед девятью часами выглянуло солнышко и луч его упал прямо на него — такой яркий, как он любил наблюдать».
Современники Джозефа Мэллорда Тернера называли его живописцем «золотых видений, великолепных и прекрасных, хоть и не имеющих субстанции». Он задумал изобразить солнце, солнечный свет и солнечное освещение с такою правдою, какой до него в живописи еще не бывало. И он стал добиваться передачи солнца во всей его лучезарности. Он долго искал, но своего добился и высказал на холстах то, чего раньше его никто еще в самом деле не изображал. В нем причудливо сочетались виртуозная техника и косноязычие, замкнутость и стремление служить людям, практическая сметка и филантропия, почитание живописных традиций прошлого и неутомимые поиски собственного языка. Все созданное Тернером, крупнейшим английским художником, было настолько разнообразно и отражало такие смелые поиски и открытия, что смело можно сказать, что он творил для грядущих поколений. Художник прошел трудный путь сложных исканий и поднялся до глубокого понимания реальности как единства цвета и света в их неуловимом движении, лишенном материальной, осязаемой формы.
Посмертное развенчание тернеровского культа было столь же бурным, как и прижизненные восхваления. Для картин и акварелей, которые художник завещал родине, так и не построили отдельного музея, разделив их поровну между Национальной галереей, Британским музеем, Музеем Виктории и Альберта и галереей Тейт. Все эти музеи участвовали в большой ретроспективе к 200-летию Тернера, которую в 1975 году привозили в СССР — в Эрмитаж и ГМИИ имени Пушкина. Выставка Тернера в ГМИИ, сделанная на средства фонда Алишера Усманова, ограничится собранием галереи Тейт. Но и его достаточно, чтобы согласиться с Полем Синьяком: «Это уже не картины, а россыпи драгоценных камней, живопись в самом прекрасном смысле этого слова».
http://gallerix.ru/storeroom/492447554/
http://rutracker.org/forum/viewtopic.php?t=4025990
http://newclassics.ru/reviews/956/
http://www.newclassics.ru/events/937/

Тёрнер, Уильям

В Википедии есть статьи о других людях с такими же именем и фамилией: Уильям Тёрнер. Эта статья — о художнике. О персонаже фильмов см. Уилл Тёрнер.

Уильям Тёрнер

англ. William Turner


Автопортрет, 1799.

Дата рождения

прибл. 23 апреля 1775

Место рождения

Ковент-Гарден, Лондон, Англия, Британская империя

Дата смерти

19 декабря 1851 (76 лет)

Место смерти

Чейни-Уок, Челси, Англия, Британская империя

Подданство

Британская империя

Жанр

историческая живопись
пейзаж
марина

Учёба

Королевская академия искусства

Стиль

романтизм

Подпись

Медиафайлы на Викискладе

Джо́зеф Мэ́ллорд Уи́льям Тёрнер (англ. Joseph Mallord William Turner; 23 апреля 1775, Ковент-Гарден, Лондон — 19 декабря 1851, Челси) — британский живописец, мастер романтического пейзажа, акварелист. Предтеча французских импрессионистов.

Биография

Уильям Тёрнер родился в конце апреля — начале мая 1775 года в лондонском районе Ковент-Гарден. Сам Тёрнер называл датой своего рождения 23 апреля, что, впрочем, оспаривается рядом исследователей. Отец художника, Уильям Тёрнер, был мастером по изготовлению париков, а в конце 70-х гг. открыл цирюльню. В 1785 году из-за тяжёлой обстановки в семье (его мать была душевнобольной), Джозефа Уильяма отправили в лондонский пригород Брентфорд, где он жил у дяди.

Ещё в Брентфорде он проявил интерес к изобразительному искусству. После учёбы в школе в конце 1780-х он поселился в Лондоне, где работал у архитекторов и топографов, в том числе у Томаса Малтона. В декабре 1789 года 14-летний Тёрнер был зачислен в Королевскую академию, его экзаменовал Рейнолдс. В академии он посещал последние лекции Рейнолдса, оказавшего значительное влияние на Тёрнера. В дальнейшем художник внимательно изучил весь курс лекций первого президента академии, посвящённый идеалистическому направлению в искусстве. Уже через год после поступления акварельная работа Тёрнера экспонировалась на ежегодной выставке Академии художеств. Первая картина маслом, которая удостоилась экспозиции, появилась у Тёрнера в 1790 году. Впоследствии Тёрнер постоянно выставлялся в Академии. С 1791 года работал художником-сценографом в «Пантеон Опере» на Оксфорд-стрит и подрабатывал, давая уроки.

Дидона, основательница Карфагена, (1815)

Тёрнер внимательно изучал мастеров прошлого и современных художников. Копируя чужие работы, он творчески переосмысливал чужие образы, выражая своё собственное видение. Особенно восхищал его Клод Лоррен: по словам современника, увидев картину «Отплытие царицы Савской», Тёрнер не смог удержаться от слёз. Художник объяснил свою реакцию тем, что ему никогда не создать что-либо подобное. Спустя годы Тёрнер завещал свою «Дидону, основательницу Карфагена», которую считал непревзойдённым шедевром, Национальной галерее с условием, чтобы она висела рядом с «Отплытием царицы Савской». Тёрнер тщательно изучал доступные ему картины Лоррена, а также альбомы с гравюрами Liber Veritatis. Гравюры были выполнены с рисунков французского художника, относившихся к зрелому периоду творчества. Позднее Тёрнер предпринял выпуск альбома Liber Studiorum, выполненный в той же технике, что и альбом рисунков Лоррена — меццо-тинто. Liber Studiorum предназначался для использования в качестве учебника для начинающих художников и гравюры были сгруппированы по тематическим разделам — живопись архитектурная, историческая, пасторальная (мифологическая и бытовая), пейзажи морские и горные.

Свою первую этюдную поездку Тёрнер совершил в 1791 году. В дальнейшем он много путешествовал с походной палитрой и делал зарисовки в Европе (Швейцария, Французские Альпы, Италия). После Тёрнера осталось более десяти тысяч рисунков и набросков. Материалы из походных альбомов служили художнику основой для картин и акварелей, над которыми он работал в Лондоне, обращаясь порой к очень давним своим эскизам.

4 ноября 1799 года Тёрнер, ставший к тому времени популярным художником, был избран членом-корреспондентом Королевской академии. В 1801 году он выставил в академии картину «Море у Бриджуотера», которая имела шумный успех, а художник Бенджамин Вест даже сравнил Тёрнера с Рембрандтом. 10 февраля 1802 года Тёрнер стал самым молодым художником, удостоившимся звания королевского академика. Это звание давало ему право выставляться в обход отборочной комиссии, предварительно просматривавшей все работы.

Тёрнер постоянно совершенствовал свою технику, изучал связь между архитектурой и геологией, природу движения воды и воздуха. К началу XIX века в своих акварелях он достигает силы и выразительности, обычно присущей живописи маслом. Отбрасывая излишнюю детализацию, он создавал новый тип пейзажа, посредством которого художник раскрывал свои воспоминания и переживания. В свои картины Тёрнер вводил изображения людей в сценах прогулок, пикников, полевых работ. Внимательно и с любовью изображая человека, художник подчёркивал несовершенство его природы, его бессилие перед огромным окружающим миром иногда спокойным, иногда грозным, но всегда равнодушным.

В 1807 году Тёрнер занял должность профессора перспективы в Королевской академии. Однако программа обучения, составленная им, касалась гораздо более широкого круга вопросов, чем изучение перспективы. Она представляла своего рода переложение курса лекций Рейнолдса и обращалась к излюбленной теме Тёрнера — вопросам «поэтической живописи».

Особую известность завоевал благодаря картинам, посвящённым Наполеоновским войнам («Трафальгарская битва», «Поле Ватерлоо»).

В 1819 году Тёрнер впервые посетил Италию. Он побывал в Турине, Милане, Риме, Венеции, Неаполе. Изучал работы Тициана, Тинторетто, Рафаэля, современных итальянских художников. После путешествия в Италию его живопись стала более яркой, палитра интенсивной с преобладанием основных цветов. Особое место в творчестве художника заняла венецианская тема. Он трижды (в 1819, 1833, 1840 годах) побывал в этом городе, и воспоминания о нём питали его фантазию долгие годы.

Уже в 1800-х годах успехи Тёрнера вызвали замечания со стороны коллекционера и художника сэра Джорджа Бомона, критиковавшего «вольности» и яркие цвета его картин. Позднее, новаторское творчество художника, предвосхищающее достижения живописи конца XIX — начала XX в., вызвало неоднозначную оценку в современном ему обществе. Викторианская публика, предпочитавшая реализм, граничивший с фотографией, слащавый сентиментализм и «гармоничную», но невыразительную цветовую гамму, плохо принимала многие его картины. В 30-40-х годах всё чаще появлялись критические выпады по адресу Тёрнера. Некоторые его работы, граничившие с абстракционизмом, создали художнику репутацию сумасшедшего. Королева Виктория отказала ему в возведении в рыцарское достоинство. Одним из немногих, кто встал на защиту Тёрнера был Джон Рёскин, назвавший его «величайшим художником всех времён».

Живописец скончался 19 декабря 1851 г.

Наследие

Согласно завещанию, всё собрание его произведений перешло британской нации (ныне экспонируется в лондонской галерее Тейт).

В 2014 году вышел художественный фильм Майка Ли «Мистер Тёрнер», охватывающий события последних двадцати лет жизни художника. Роль Тёрнера исполнил Тимоти Сполл.

> Память

Именем У. Тёрнера названа одна из самых престижных в мире премий в области современного искусства, учрежденная в 1984 году.

Наиболее известные работы

Основная статья: Список картин Уильяма Тёрнера«Последний рейс корабля „Отважный“» > См. также

  • Романтизм
  • Импрессионизм

Примечания

  1. 1 2 Немецкая национальная библиотека, Берлинская государственная библиотека, Баварская государственная библиотека и др. Record #11862475X // Общий нормативный контроль (GND) — 2012—2016.
  2. 1 2 идентификатор BNF: платформа открытых данных — 2011.
  3. 1 2 Joseph Mallord William Turner

Литература

  • Уильям Тёрнер / Перевод с английского А. Е. Мосейченко. — М.: ЗАО «БММ», 2007. — 256 с. — 2000 экз. — ISBN 5-88353-278-0.
  • С. Дзуффи. Большой атлас живописи. — М.: Олма-Пресс, 2002. — С. 184—185, 242, 244—245, 300. — 431 с. — ISBN 5-224-03922-3.
  • П. Акройд. Тернер. — М.: КоЛибри, Азбука-Аттикус, 2012. — 224 с.

Ссылки

  • Жизнь и творчество Джозефа Тернера на сайте Картины Импрессионистов
  • Жиль Делёз и Феликс Гваттари о Тёрнере
  • более ста картин Тёрнера
  • Картины Уильяма Тёрнера

>Уильям Тернер

Биография

Уильям Тёрнер — известный британский художник-романтик, творчество которого отличалось новаторским подходом к изображению пейзажей. Он использовал преимущественно акварель и масло, предпочитая яркую палитру цветов. Несмотря на то, что поздние картины мастера не были приняты современниками, сейчас трудно переоценить вклад Тёрнера в мировую живопись.

Детство и юность

Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер появился на свет приблизительно 23 апреля 1775 года в одном из районов Лондона под названием Ковент-Гарден. Отец будущего художника Уильям профессионально занимался изготовлением париков, а в конце 1770-х основал парикмахерскую. Когда мальчику было 10 лет, он переехал к своему дяде в столичный пригород Брентфорд. Причиной этому послужила душевная болезнь матери Уильяма и сложившаяся из-за этого тяжелая обстановка в семье.

Автопортрет Уильяма Тёрнера / Тейт Британия

Живя у родственника, мальчик начал интересоваться изобразительным искусством. Завершив учебу в школе в конце 1780-х годов, Тёрнер снова перебрался в Лондон, где нашел работу у топографов и архитекторов. Одним из них стал известный английский художник Томас Малтон.

Зимой 1789-го Уильяма, которому на тот момент было 14 лет, зачислили в Королевскую академию художеств. Принимал вступительный экзамен у юноши сэр Джошуа Рейнолдс, являющийся портретным живописцем. В дальнейшем, будучи студентом влиятельного учебного заведения, Тёрнер с удовольствием слушал лекции художника, повлиявшего на творчество акварелиста.

Живопись

За время учебы в академии начинающий художник досконально исследовал полный курс лекций об идеалистическом направлении в искусстве, рассказанных первым президентом художественного заведения. Спустя год после начала учебы работа Уильяма, написанная акварелью, выступила экспонатом на местной ежегодной выставке.

Первая картина Уильяма Тёрнера «Водяная мельница» / Википедия

Дебютную картину маслом, удостоившуюся экспозиции, Тёрнер создал в 1790-м. Впоследствии произведения художника на регулярной основе выставлялись в академии. В 1791 году он получил должность художника-сценографа в опере «Пантеон», располагавшейся на Оксфорд-стрит, а также подрабатывал учителем живописи.

Уильям с должным вниманием относился к изучению творчества как мастеров прошлого, так и современных живописцев. Перенимая особенности чужих работ, он пересматривал их образы и выражал собственные ощущения.

Картина Клода Лоррена «Отплытие царицы Савской» / Лондонская национальная галерея

Интересным фактом является то, что мужчина с особенным восхищением относился к живописи Клода Лоррена: по словам Тёрнера, он не смог сдержать слез, увидев его картину, получившую название «Отплытие царицы Савской». Акварелист утверждал, что такая бурная реакция связана с тем, что ему никогда не доводилось увидеть прежде что-то подобное.

Спустя много лет, когда Уильям заработал известность, он доверил хранение картины «Дидона, основательница Карфагена», к которой относился как к непревзойденному шедевру, Национальной галерее. Он попросил лишь об одном — чтобы произведение соседствовало с «Отплытием царицы Савской». Тёрнер подробно изучил профессиональную биографию Лоррена, в том числе альбомы с его гравюрами Liber Veritatis, которые были вдохновлены рисунками зрелого творческого периода французского художника.

Картина Уильяма Тёрнера «Дидона, основательница Карфагена» / The Athenaeum

Позже Уильям организовал выпуск собственного альбома, озаглавленного Liber Studiorum и воспроизведенного в аналогичной технике, что и рисунки Лоррена. Издание предназначалось для того, чтобы начинающие художники использовали его в качестве учебника. Гравюры в нем распределялись по тематическим разделам — живопись историческая, архитектурная, бытовая и мифологическая, пейзажи горные и морские.

Первая этюдная поездка Тёрнера случилась в 1791 году. Впоследствии художник постоянно отправлялся в европейские путешествия — в Швейцарию, Францию, Италию, делая зарисовки с помощью походной палитры. Уильям оставил после себя поистине великое наследие — более 10 тыс. набросков и рисунков.

Картина Уильяма Тёрнера «Дождь, пар и скорость» / Лондонская национальная галерея

Работы, запечатленные в походных альбомах, неоднократно становились основой для акварелей живописца, которые он создавал в Лондоне. За свою творческую жизнь мужчина часто возвращался к очень старым своим эскизам.

Уильям Тёрнер, будучи известным художником, получил должность члена-корреспондента Королевской академии 4 ноября 1799-го. Спустя 2 года его произведение «Рыбаки в море» было выставлено в академии, после чего обрело огромный успех и огласку. Художник Бенджамин Уэст сравнил творчество представителя романтизма с голландским живописцем Рембрандтом. 10 февраля того же года Уильям получил статус самого молодого художника, достигшего статуса королевского академика.

Картина Уильяма Тёрнера «Рыбаки в море» / Тейт Британия

Живописец постоянно работал над улучшением своей техники, посвящал много времени изучению связей между геологией и архитектурой, а также особенностям движения воздуха и воды. К началу 19-го века он достиг абсолютной выразительности и силы в своих акварелях, которые обычно присущи живописи маслом.

В своем творчестве Уильям не использовал прием детализации, создавая инновационный вид пейзажа, с помощью которого передавал свои переживания и воспоминания. На картинах Тёрнер воспроизводил образ людей во время пикников, прогулок и полевых работ. С чуткостью и любовью рисуя человека, мастер передавал на полотнах то, насколько несовершенна его природа и насколько герой слаб перед окружающей средой — одновременно спокойной и грозной, но постоянно равнодушной.

Картина Уильяма Тёрнера «Поле при Ватерлоо» / Artchive

В 1807-м Уильям устроился на работу в Королевскую академию на должность преподавателя перспективы. Он составил программу обучения таким образом, чтобы она охватывала не только вопросы, непосредственно касающиеся заявленного предмета, но и гораздо более широкий круг тем. Лекции Тёрнера представляли собой переосмысление курса Рейнолдса и обращались к любимой теме художника — вопросу «живописи поэтической».

Уильям Тёрнер обрел особую популярность после написания картин, которые посвящены войнам с Наполеоном — «Поле при Ватерлоо» и «Трафальгарское сражение».

Живописец в первый раз побывал в Италии в 1819 году. Он посетил Турин, Милан, Рим, Венецию и Неаполь, где занимался изучением творчества современных местных художников, таких как Тициан, Тинторетто, Рафаэль.

Картина Уильяма Тёрнера «Трафальгарское сражение» / Тейт Британия

Вместе с путешествием в Италию картины Уильяма стали более яркими, а их палитра — интенсивнее с доминированием базовых цветовых сочетаний. Также в его творчестве появилась новая венецианская тема, которая стала особенной для художника. Он 3 раза побывал в Венеции — в 1819-м, 1833-м, 1840-м, поэтому воспоминания об этом городе отражались и на полотнах.

Однако не всех удовлетворяли успехи Тёрнера — коллекционер и художник сэр Джордж Бомон откровенно критиковал «вольность» и «аляповатость» его произведений. А чуть позже новаторство и инновационность в творчестве Уильяма, которые предвосхищали этапы живописи конца 19-го — начала 20-го веков, вызвали неоднозначную реакцию современников.

Картина Уильяма Тёрнера «Последний рейс корабля «Отважный»» / Лондонская национальная галерея

Публика Викторианской эпохи, которая предпочитала реализм, практически не отличающийся от фотоискусства, а также приторный сентиментализм и более скромную цветовую гамму, с трудом воспринимала многие работы художника.

В 1830–1840-х годах Тёрнер все чаще слышал в свой адрес нелестные выпады от аудитории и критиков. У художника даже была репутация сумасшедшего из-за некоторых его работ, граничивших с абстракционизмом. В связи со всем этим королева Виктория отказалась возводить Уильяма в рыцари. Однако были и ярые защитники творчества британского живописца — писатель Джон Рёскин дал ему звание величайшего художника всех времен.

Личная жизнь

О личной жизни выдающегося художника известно крайне мало, он тщательно скрывал подробности своих отношений. С молодых лет и до самой смерти родителя, которая пришла в 1829-м, Уильям проживал вместе с ним. Отец являлся и помощником, и другом.

Документальный фильм «Цвет времени. Уильям Тёрнер»

Тёрнер так и не нашел женщину, которую готов был бы сделать своей официальной женой. Но долгие годы жил совместно с немолодой вдовой по имени Сара Дэнби. У пары родились двое детей, обе девочки. Далее Уильям 18 лет был в отношениях с Кэролайн Бут, живущей в Челси.

Смерть

Именно в Челси 19 декабря 1851 года жизнь художника оборвалась. Причиной смерти стало заболевание холерой. Последние слова Уильяма Тёрнера — «Солнце — это Бог». Художника похоронили в соборе святого Павла рядом с могилой сэра Джошуа Рейнолдса.

Тимоти Сполл в роли Уильяма Тёрнера (кадр из фильма «Уильям Тёрнер»)

В 2014-м вышел художественный фильм режиссера Майка Ли, повествующий о финальном этапе жизни английского художника-мариниста. Уильяма Тёрнера сыграл талантливый актер театра и кино Тимоти Сполл.

Картины

  • 1799 — «Автопортрет»
  • 1812 — «Снежная буря»
  • 1812 — «Переход Ганнибала через Альпы»
  • 1818 — «Дордехт»
  • 1835 — «Гранд-канал»
  • 1839 — «Последний рейс корабля «Отважный»»
  • 1840 — «Невольничий корабль»
  • 1844 — «Дождь, пар и скорость»
  • 1845 — «Восход с морскими чудовищами»
  • 1845 — «Замок Норем, восход»

Художники какой страны внесли особый вклад в развитие мировой живописи?

При таком вопросе часто вспоминают французских художников. Еще голландцев. А уж влияние итальянского Возрождения и вовсе ни у кого не вызывает сомнения.

Но вот если брать 18 век и начало 19-го, то важно отметить заслуги английских художников.

В этот период в стране туманного Альбиона работает несколько ярких мастеров, которые изменили в корне мировое искусство.

1. Уильям Хогарт (1697-1764 гг.)

Уильям Хогарт. Автопортрет. 1745 г. Британская галерея Тейт, Лондон

Хогарт жил в непростое время. В начале 18 века в Англии только-только зародилось буржуазное общество, которое пришло на смену феодальному.

Моральные ценности были ещё зыбкими. На полном серьезе достоинствами считались корыстолюбие и обогащение любыми путями. Прямо как в 90-ые года 20 века в России.

Хогарт решил не молчать. А попытался открыть глаза своим соотечественникам на упадок моральных ценностей. С помощью картин и гравюр.

Начал он с серии картин «Карьера проститутки». К сожалению, живописные полотна не сохранились. Остались только гравюры.

Уильям Хогарт. Карьера проститутки: в ловушке у сводницы. Гравюра. 1732 г.

Это реальная история о деревенской девушке Мэри, которая приехала в город искать счастья. Но попала в лапы старой сводни. Эту сцену мы и видим на первой гравюре. Став содержанкой, она провела свою недолгую жизнь среди изгоев общества.

Хогарт намеренно переводил свои картины в гравюры, чтобы широко их распространять. Так он стремился достучаться до как можно большего количества людей.

Причем предостеречь он хотел не только бедных девушек, таких как Мэри. Но и аристократов. Судя по его серии работ «Модный брак».

Описанная в ней история была очень типична для того времени. Обедневший аристократ женится на дочери богатого торговца. Но это лишь сделка, не подразумевающая союза сердец.

Самая известная картина из этой серии «Тет-а-Тет» демонстрирует всю пустоту их отношений.

Уильям Хогарт. Модный брак. Тет-а-Тет. 1743 г. Национальная лондонская галерея

Жена всю ночь веселилась с гостями. А муж лишь под утро ввалился домой, опустошенный от разгула (судя по его пятну на шее, он уже болен сифилисом). Графиня небрежно подтягивается и вот-вот зевнёт. На ее лице читается полное равнодушие к мужу.

И не удивительно. Она завела интрижку на стороне. История закончится печально. Муж застанет жену в постели с любовником. И будет заколот шпагой в дуэли. Любовник будет отправлен на висилицу. А графиня покончит с собой.

Хогарт не был просто карикатуристом. Слишком высоко его мастерство. Сложные и гармоничные сочетания цветов. А ещё невероятная выразительность. Вы легко «читаете» его картины, понимая, каковы отношения между людьми.

Уильям Хогарт. Модный брак. Дуэль и смерть графа. 1743 г. Национальная лондонская галерея

Заслуги Хогарта сложно переоценить. Ведь он изобрёл критический реализм. Никто до него никогда не изображал в живописи столько конфликтов и социальных драм.

Хогарт вдохновил Франсиско Гойю к созданию его знаменитых Капричос. Его хорошо знали наши русские художники-передвижники. Под его влиянием создавая свои полные социальной критики картины.

2. Джошуа Рейнольдс (1723-1792 гг.)

Джошуа Рейнольдс. Автопортрет. 1747 г. Национальная портретная галерея, Лондон

Мало на свете живописцев, искупавшихся в лучах славы при жизни. И при этом сумевших остаться в памяти потомков. Английский художник Джошуа Рейнольдс был одним из таких счастливчиков.

Он с детства знал, что хочет только рисовать. Быстро добился признания. Ведь в придачу к таланту у него был подходящий характер. Общительный и энергичный. Он легко покорял клиентов во всех отношениях.

Ничего удивительного, что Рейнольдс однажды стал самым влиятельным чиновником в мире искусства. В 45 лет он был избран Президентом Королевской Академии художеств.

Джошуа Рейнольдс. Портрет полковника Бенестра Тарлитона. 1782 г. Национальная лондонская галерея

С помощью подходящего костюма, обстановки или пейзажа, выражения лица и позы Рейнольдс умел раскрывать самые выгодные качества человека.

Таков и портрет полковника Тарлитона.

Человек деятельный, по-настоящему отважный как нельзя лучше «читается» на фоне раздувающегося знамени и клубов дыма. А движение вытягивания шпаги удачно скрывает руку с потерянными в бою пальцами.

В женских портретах Рейнольдс, конечно, делал акцент на нежность и красоту. Но и про характер героини не забывал.

Джошуа Рейнольдс. Герцогиня Харрингтон. 1779 г. Галерея Хантингтон, Сан-Марино, США

Сразу понятно, что герцогиня Харринтгтон – самоуверенная особа. Но художник смягчает это подобающим пейзажем и платьем. Такой даме уверенность явно к лицу.

В последние годы жизни он плохо видел. И уже не притрагивался к кисти. Но от одного заказа он не смог отказаться. Его клиенткой стала Екатерина II.

С тех пор в Эрмитаже хранится несколько поздних работ Рейнольдса. В том числе «Венера и Амур».

Джошуа Рейнольдс. Амур развязывает пояс Венеры. 1788 г. Эрмитаж, Санкт-Петербург

У Венеры мы видим нетривиальный по-рейнольдски жест. Она смущена от обращённых на неё взглядов.

По картине хорошо видно, как Рейнольдс талантливо копировал достижения старых мастеров. Тёплые и глубокие цвета Тициана. Томные, мягкие линии Рубенса.

Рейнольдс не стал изобретать велосипед. Но он установил очень высокие стандарты для всех европейских художников.

Проверьте себя: пройдите онлайн-тест «Насколько Вы разбираетесь в живописи?»

3. Томас Гейнсборо (1727-1788 гг.)

Томас Гейнсборо. Автопортрет. 1758-1759 гг. Национальная портретная галерея, Лондон

Гейнсборо можно по праву назвать самым известным английским художником 18 века. Он жил в одно время с Рейнольдсом. Они были соперниками.

Разница между Рейнольдсом и Гейнсборо видна невооруженным взглядом. У первого – красные, золотые оттенки; величественные, торжественные образы.

У Гейнсборо серебристо-голубые и оливково-зеленые оттенки. А также воздушные и интимные портреты.

Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Все это мы видим в портрете «Дама в голубом». Никакого накала эмоций. Лишь прекрасный, нежный образ. Чтобы добиться такого эффекта, Гейнсборо работал тонкой кистью почти 2-х метровой длины!

Гейнсборо всегда считал себя в первую очередь пейзажистом. Но необходимость зарабатывать вынуждала его писать портреты на заказ. По иронии судьбы он прославился и остался в истории именно как портретист.

Но художник шёл на компромисс с самим собой. Часто изображая портретируемых на лоне природы. Соединяя ненавистный портрет и любимый пейзаж.

Томас Гейнсборо. Портрет мистера и миссис Халлет (Утренняя прогулка). 1785 г. Национальная лондонская галерея

Клиенты не могли определиться, какой из двух портретистов им больше импонируют. И аристократы заказывали портреты и у Рейнольдса, и у Гейнсборо. Они были слишком разными. Но по силе работ не уступали друг другу.

Но в отличие от Рейнольдса, его соперника привлекали ещё простые люди. С одинаковым азартом он писал и герцогиню, и простолюдинку.

Томас Гейнсборо. Девочка со свиньями. 1782 г. Частная коллекция

Его картину «Девочки с поросятами» Рейнольдс обменял у одного коллекционера на имеющуюся у него картину Тициана. Считая, что это лучшая работа его соперника.

Работы Гейнсборо неповторимы по своему качеству. Здесь и неспрятанные мазки, которые на расстоянии делают происходящее живым и дышащим.

Это и плавные, растушеванные линии. Как будто все происходит во влажном воздухе, каким он и является в Англии.

И, конечно, необычное сочетание портрета и пейзажа. Все это выделяет Гейнсборо среди множества других портретистов своего времени.

4. Уильям Блейк (1757-1827 гг.)

Томас Филлипс. Портрет Уильяма Блейка. 1807 г. Национальная портретная галерея, Лондон

Уильям Блейк был неординарной личностью. С детства его посещали мистические видения. А когда он вырос, то стал анархистом. Он не признавал законы и мораль. Считая, что так угнетается свобода человека.

Не признавал он и религии. Считая ее главным ограничителем свобод. Конечно, такие взгляды отражались на его работах. «Архитектор мира» – его резкий выпад в сторону христианства.

Уильям Блейк. Великий архитектор. Офорт, раскрашенный вручную. 36 х 26 см. 1794 г. Британский музей, Лондон

Создатель держит циркуль, вычерчивая границы для человека. Границы, через которые нельзя переступать. Делая наше мышление ограниченным, живущим в узких рамках.

Для его современников его работы были слишком неординарными, поэтому признания при жизни он так и не дождался.

Некоторые видели в его работах пророчества, грядущие потрясения. Воспринимая Блейка как блаженного, человека не в себе.

Но официально сумасшедшим Блейк никогда не признавался. Он всю жизнь плодотворно работал. Причём был мастером на все руки. Был и отменным гравёром. И гениальным иллюстратором. Создав невероятные акварели для «Божественной комедии» Данте.

Уильям Блейк. Вихрь любовников. 1824-1727 гг. Иллюстрация к «Божественной комедии» Данте

Единственое, что Блейка роднило с его эпохой, так это мода на все ужасное и сказочное. Все-таки в Англии в 19 веке были в чести романтизм и сказочные мотивы.

Поэтому его картина «Дух блохи» вполне вписывалась в общий ряд работ тех лет.

Уильям Блейк. Призрак блохи. 1819 г. Темпера, золото, дерево. 21 х 16 см. Тейт Британия, Лондон

Блейк уверял, что видел душу человека-кровопийцы. Но та была помещена в крошечную блоху. Если бы эта душа поселилась в человека, то пролилось бы немало крови.

Блейк явно родился раньше своего времени. Его работы пугающе похожи на работы символистов и сюрреалистов 20 века. Они и вспомнили об этом мастере 100 лет спустя после его смерти. Он сделался их кумиром и вдохновителем.

5. Джон Констебл (1776-1837 гг.)

Рамсей Рейнагль. Портрет Джона Констебля. 1799 г. Национальная портретная галерея, Лондон

Несмотря на аристократическую внешность, Констебль был сыном мельника. И любил работать руками. Умел пахать, строить изгороди и рыбачить. Может быть, поэтому его пейзажи лишены пафоса. Они естественны и реалистичны.

До него художники писали абстрактные пейзажи, чаще итальянские. Но Констебль писал конкретную местность. Реально существующую речку, коттедж и деревья.

Джон Констебль. Телега для сена. 1821 г. Национальная лондонская галерея

Его «Телега для сена» – самый знаменитый английский пейзаж. Именно эта работу когда-то увидела французская публика на Парижской выставке 1824 года.

Особенно были впечатлены молодые импрессионисты. Которые разглядели в этой картине то, к чему сами стремились. Никакой академической помпезности. Никаких античных развалин и эффектных закатов. А лишь обыденная жизнь в сельской местности. Красивая в своей естественности.

После этой выставки Констебль продал в Париже аж 20 своих картин. В родной же Англии его пейзажи почти не покупали.

Но в отличие от Гейнсборо, ради заработка он редко переключался на портреты. Продолжая совершенствоваться именно в пейзажной живописи.

Для этого он изучал природные явления с научной точки зрения. И умел подбирать оттенки очень близкие к тем, что встречаются в природе. Особенно ему удавалось небо, контрасты светлых и темных облаков.

Джон Констебль. Кафедральный собор Солсбери. Вид из епископского сада. 1826 г. Коллекция Фрика, Нью-Йорк

Но Констебль знаменит не только удивительно реалистичными картинами. Но и своими этюдами.

Художник создавал этюд того же размера, что и будущая картина. Работая прямо на открытом воздухе. Это было ноу-хау. И именно этот метод работы потом и подхватят импрессионисты.

Джон Констебл. Лодка и штормовое небо. 1824-1828 гг. Королевская Коллекция живописи, Лондон

Но Констебль по этим этюдам часто писал завершённые работы в студии. Хотя они больше нравились тогдашней публики, были они не такими живыми и полными движения, как наброски.

На Родине осознали величие Констебля лишь в 20 веке. И поныне он – один из самых любимых художников в Англии. Можно сказать, что с таким же трепетом русские относятся к Ивану Шишкину.

6. Уильям Тёрнер (1775-1851 гг.)

Уильям Тернер. Автопортрет. 1799 г. Британская галерея Тейт, Лондон

Английский художник Уильям Тернер ещё в молодости сумел прославиться и стать академиком художеств. Почти сразу его стали называть «художником света». Потому что солнце часто присутствовало на его полотнах.

Если вы посмотрите пейзажи других художников, то вы редко увидите солнце. Оно слишком яркое.

Эту яркость сложно изображать. Она же бьет в глаза. Искажает все вокруг. Но Тернер этого не боялся. Рисуя солнце и в зените, и на закате. Смело обволакивая его светом все вокруг.

Уильям Тёрнер. Порт в Дьеппе. 1826 г. Коллекция Фрика, Нью-Йорк, США

Но Тернер хоть и был академиком и своим званием дорожил, не мог не экспериментировать. Слишком у него был неординарный и подвижный ум.

Поэтому уже через пару десятилетий его работы сильно эволюционировали. В них все меньше деталей. Все больше света. Все больше ощущений.

Одно из самых известных полотен того времени – «Последний рейс корабля «Отважный».

Здесь мы видим немного аллегории. Парусные корабли заменяются паровыми. Одна эпоха сменяет другую. Солнце заходит, а на его смену выходит месяц (слева вверху).

Уильям Тернер. Последний рейс корабля «Отважный». 1838 г. Национальная лондонская галерея

Здесь солнце по-прежнему главенствует. Закат занимает добрую половину картины. А уже в последующих работах художник доходит почти до абстракционизма. Гипертрофируя все свои прежние устремления. Убирая детали, оставляя лишь ощущения и свет.

Уильям Тёрнер. Утро после потопа. 1843 г. Музей Тэйт, Лондон

Как вы понимаете, публика не могла по достоинству оценить такие работы. Королева Виктория отказалась производить Тернера в рыцари. Репутация пошатнулась. Все чаще были слышны в обществе намеки на сумасшествие.

Такова доля всех настоящих художников. Он делает слишком широкий шаг вперёд. И публика «догоняет» его лишь десятилетия, а то столетия спустя. Так и случилось с великим Тернером.

7. Прерафаэлиты

Говоря об английских художниках, сложно обойти стороной прерафаэлитов. Тем более, что в 21 веке они стали очень популярны.

Откуда же взялась такая любовь к этим художникам?

Начинали прерафаэлиты с высоких целей. Они хотели найти выход из тупика академической, слишком застылой живописи. Им надоело писать малоизвестные широкой публике мифы и исторические сюжеты. Хотели показывать настоящую, живую красотку.

И прерафаэлиты начали писать женские образы. Получались они у них очень красивыми и притягательными.

Слева: Данте Габриэль Россетти. Блаженная Беатриса. 1864-1870 гг. Галерея Тейт, Лондон. Справа: Джон Уильям Уотерхаус. Борей. 1903 г. Частная коллекция

Чего только стоят их рыжеволосые красавицы. Как правило, бывшие их любовницами и в реальной жизни.

Прерафаэлиты стали активно воспевать женскую красоту. В результате кроме этого в них больше ничего и не осталось.

Это стало похоже на постановочные, роскошные снимки для глянцевых журналов. Именно такие образы легко представить для рекламы женских духов.

Поэтому прерафаэлиты так пришлись по душе людям 21 века. В век гламурной, очень яркой рекламы.

Джон Эверетт Милле. Офелия. 1851 г. Тейт Британия, Лондон

Несмотря на очевидную пустоту многих работ, именно эти художники стояли у истоков развития дизайна, отколовшегося от искусства. Ведь прерафаэлиты (например, Уильям Моррис) активно работали над эскизами тканей, обоев и других украшений интерьера.

***

Надеюсь, после этой статьи английские художники открылись для вас с новой стороны. Не всегда только итальянцы и голландцы влияли на мировое искусство. Англичане тоже внесли свою ощутимую лепту.

Читайте также об испанских художниках в статье «5 испанских мастеров, опередивших своё время».

Для тех, кто не хочет пропустить самое интересное о художниках и картинах. Оставьте свой e-mail (в форме под текстом), и Вы первыми будете узнавать о новых статьях в моем блоге.

Оксана Копенкина

PS. Проверьте себя: пройдите онлайн-тест «Насколько Вы разбираетесь в живописи?»

10 самых известных английских художников

Художники каких стран внесли наиболее заметный вклад в историю искусства? Италия, Голландия, Россия, Испания, Китай — так, скорей всего, на этот вопрос ответят любители живописи. И будут правы. Но совершенно напрасно в этом рейтинге нет Великобритании. На аукционах полотна английских авторов не так популярны, как работы наших передвижников или французских импрессионистов. Но влияние на современное искусство художников, рожденных в Туманном Альбионе, сложно переоценить. Расскажем о 10 наиболее ярких творческих личностях с точки зрения портала VeryImportantLot, на чьи полотна коллекционерам стоит обратить внимание.

Уильям Хогарт

Годы жизни — 1697-1764. Его мировоззрение формировалось в сложный для Англии период — на смену феодализму пришел буржуазный строй. Как и в любую эпоху перемен, происходил пересмотр нравственных ценностей. Обогащение воспринималось как норма (помните, как это было в России в 90-х годах XX века, когда школьники на полном серьезе мечтали о карьере проститутки или киллера и не стеснялись об этом не только говорить вслух, но и писать в сочинениях). Хогарт принимает решение напомнить соотечественникам о библейских заповедях. Делает это с помощью своих работ, развенчивая новые нравы. Гравюры, создаваемые художником, с удовольствием покупают. Известность принес цикл картин «Карьера проститутки»

Впервые в истории Хогарт объединил 6 работ сквозным сюжетом. Еще одно новшество, внедренное художником, — использовать драматургические приемы. Как хорошо продуманный сценарий, созданные серии рисунков имеют центральную фабулу и несколько второстепенных. Художник тщательно прописывал мимику и жесты героев социальных драм. При просмотре гравюр возникает ощущение, что перед тобой иллюстрации к захватывающему роману.

Джошуа Рейнольдс

Еще один английский художник, работавший в XVIII веке.

Не так много живописцев, которым удалось прославиться при жизни. И при этом не просто зарабатывать большие гонорары написанием портретов знатных персон, а внести особый вклад в искусство. Один из таких баловней судьбы — поданный Великобритании Джошуа Рейнольдс.

Влюбился в краски в раннем детстве, получал огромное удовольствие от занятий рисованием. О другой карьере даже не задумывался. Его талант быстро получил признание. В отличие от многих других художников, у Джошуа был легкий характер, умел производить хорошее впечатление, покорял своей харизматичностью. Это помогало ему в получении заказов. В возрасте 45 лет Рейнольдса назначили на пост Президента Королевской Академии художеств.

Особенно удавались живописцу портреты. В этом ему не было равных в то время. Джошуа по-настоящему влюблялся в своего героя, даже у неприятного человека умел находить качества, достойные уважения. Писал комплиментарные портреты, подчеркивал человеческие достоинства с помощью правильно подобранного костюма, антуража, позы, раскрывающей характер.

Томас Гейнсборо

Гейнсборо — друг и вечный соперник Рейнольдса. Между ними были сложные отношения, хотя объединяла искренняя любовь к искусству. Ценили мастерство друг друга, но при этом всегда стремились достичь большего, чем коллега.

Их работы совсем не похожи. Разница между созданными художниками портретами очевидна даже человеку, мало разбирающемуся в живописи.

По иронии судьбы Гейнсборо, больше всего тянувшийся к пейзажам, прославился как замечательный портретист. В работах живописец часто шел на компромисс: писал своих героев на фоне колоритной природы. В восемнадцатом веке такой прием был не совсем характерен, поэтому Томаса Гейсборо считают новатором.

Работы художника узнаются по плавным, будто бы растушеванным линиям. Привлекает внимание и манера делать мазки. Если смотреть картину, созданную в такой технике на расстоянии, то она кажется живой.

Уильям Блейк

Живописец с детства был яркой личностью с собственным мировоззрением.

Интересовался мистикой. Разделял убеждения анархистов, не считал себя обязанным соблюдать христианские заповеди и законы, придуманные обществом. Был уверен, что так угнетают свободу человека. Получил репутацию убежденного атеиста, считал, что религиозные постулаты ограничивают независимость. Бунтарство отразилось и в творчестве Блейка. Самые известные его полотна — «Архитектор мира», «Призрак блохи», иллюстрации к «Божественной комедии» Данте.

Джон Констебл

Некоторые считают этого художника вдохновителем импрессионизма.

В пейзажной живописи стремился к реалистичности. Писал свои работы с натуры, а не в студии. До него художники в Великобритании чаще всего писали средиземноморские пейзажи по памяти. Отлично владел цветотехникой, точно подбирал естественный оттенок. Работы, сделавшие Констебля знаменитым: «Кафедральный собор Солсбери», «Телега для сена», «Лодка и штормовое небо». Его картины наполнены любовью к Англии. Не зря произведения Джона Констебля часто используют как иллюстрации для художественных календарей.

Уильям Тернер

Его называют мастером романтического пейзажа. Уже в детстве подавал большие надежды, в 14 лет был зачислен в Королевскую академию в Лондоне.

Виртуозно владел разными техниками: одинаково хорошо писал акварелью и маслом. Тернер стал самым молодым художником, которого удостоили звания королевского академика. Известен как создатель нового вида пейзажей — в них он не только воспевал красоту английской провинции, но и стремился передать свое эмоциональное отношение к объекту. В последние годы в его картинах появилось буйство цвета, это пришлось не по нраву викторианской публике. Зато потомки за его мастерство и любовь к солнечным видам наградили Тернера высокопарным титулом «король света».

Джон Милле

Получил известность как один из создателей «Братства прерафаэдитов». Занимался в Королевской академии художеств.

В 18 лет руководство учебного заведения наградило юного Джона золотой медалью. Этой чести он удостоился за работу «Нападение колена Вениаминова». Его произведения выделялись техническим совершенством. Милле известен радикальными взглядами на искусство и страстью к излишней детализации.

После женитьбы отходит от принесшей ему скандальную популярность прерафаэлитской техники, начинает ради материального благополучия семьи писать портреты на заказ. Наиболее заметные работы: «Смерть Ромео и Джульетты», «Христос в родительском доме», «Офелия», «Мыльные пузыри».

Марк Ланселот Симонс

Прославился портретами и созданием необычных аллегорических картин, часть из которых можно отнести к викторианской сказочной живописи. Любовь к искусству передалась по наследству от отца, который зарабатывал на жизнь созданием иллюстраций. Исповедовал католицизм, это отражается в его художественных полотнах «Распятие», «Мой Господь».

Но не все религиозные картины Симонс писал, ориентируясь на принятые каноны. Некоторые его работы вызывали бурные споры у верующих и искусствоведов.

Фрэнсис Бэкон

Мастер фигуративной живописи. Предпочитал писать в формате триптиха (сохранилось 28 работ).

Привлек внимание публики комплектом картин под названием «Три этюда», ему удалось передать страдания, боль. Не всем импонировали его интерпретации. Несмотря на то, что его картины входят в список самых дорогих современных полотен, проданных на аукционах, Маргарет Тэтчер отозвалась о Фрэнсисе Беконе нелицеприятно, тем самым увеличив интерес к творчеству художника.

Люсьен Фрейд

Ученик Стэнли Спенсера, позаимствовал у него реалистичный подход к изображению людей.

Отдавал предпочтение портретам и обнаженной натуре. Фрейд принципиально не украшал своих героев, наоборот, всячески подчеркивал имеющиеся несовершенства — неэстетичные бородавки, шрамы, язвы. И фон для работ выбирал мрачный, усиливая негативное впечатление. Картина Фрейда «Социальный смотритель спит» на аукционе в 2008 году была продана за 33.6 миллиона долларов.

Современный Рим — Кампо Ваччино

Уильям Тёрнер

Современный Рим — Кампо Ваччино. 1839

англ. Modern Rome — Campo Vaccino

Холст, масло. 91,8 × 122,6 см

Музей Гетти, Лос-Анджелес

(инв. 2011.6)

«Современный Рим — Кампо Ваччино» (англ. Modern Rome — Campo Vaccino) — картина, написанная в 1839 году английским художником Уильямом Тёрнером (Joseph Mallord William Turner, 1775—1851). Принадлежит музею Гетти в Лос-Анджелесе. Размер картины — 91,8 × 122,6 см.

История и описание

Пейзаж «Современный Рим — Кампо Ваччино» является последней из серии картин Тёрнера, написанных на протяжении двух десятилетий и представляющих различные виды Рима. На картине изображены развалины Римского форума — места, которое иногда называли Кампо Ваччино (Campo Vaccino — «пастбище для коров»).

Картина была представлена публике на выставке Королевской академии художеств 1839 года, где она была выставлена вместе с другой картиной Тёрнера — «Древний Рим: прибытие Агриппины с прахом Германика» (англ. Ancient Rome: Agrippina landing with the ashes of Germanicus, ныне в собрании галереи Тейт). Там же она была приобретена коллекционером Хью Манро (Hugh Munro, 1797—1864), который был другом и покровителем Тёрнера.

В 1878 году картина была приобретена за 4450 гиней Арчибальдом Филиппом Примроузом, 5-м графом Розбери, и его женой Ханной Ротшильд (Hannah Rothschild). После этого в течение 100 лет картина находилась в их семейном загородном имении Ментмор-Тауэрс (англ. Mentmore Towers). В 1978 году, оставаясь в собственности семьи, картина была передана на хранение в Национальную галерею Шотландии в Эдинбурге, где она находилась более 30 лет.

7 июля 2010 года картина была продана на лондонском аукционе Sotheby’s за 29,7 миллионов фунтов (примерно 45 миллионов долларов) — на тот момент, это была рекордная для аукционов сумма, полученная за произведение Тёрнера. После этого картина стала частью коллекции музея Гетти в Лос-Анджелесе.

> Примечания

Современный Рим — Кампо Ваччино -Modern Rome – Campo Vaccino

Современный Рим — Кампо Ваччино

художник

JMW Тернер

Год

Средняя

Масло на холсте

Размеры

90,2 см × 122 см (35,5 × 48 в в)

Место нахождения

J. Paul Getty Museum , Лос — Анджелес

Современный Рим — Кампо Ваччино является пейзаж британского художника Джозефа Мэллорда Уильяма Тернера завершено в 1839 году Это окончательная картина Тернера Рима и был в распоряжении семьи 5 — й граф Роузбери с 1878, пока картина не пришли на аукцион , 7 июля 2010 года он был куплен J. Paul Getty Museum , ЛосАнджелес, и подлежал на экспорт бар , чтобы позволить британское время галереичтобы попытаться соответствовать предложению в Гетти.

Фон

Современное Рим — Кампо Ваччина является пейзажем видением нераскопанного Римского Форума , до сих пор называют Кампо Vaccino , на «пастбище коровы», мерцающий в туманной свете и является последним из двадцати лет серии Тернера взглядов города. Она была написана на пике карьеры Тернера из этюды и эскизы , сделанные на двух визитов в город. Особенности Классический , Ренессанс и барокко Рим занимают холст, но на первый план содержит показатели современной жизни, в том числе пастухов.

Это был первый куплен Хью Манро , друга и покровителя Тернера, из Королевской Академии выставке в 1839 году картина была приобретена за 4450 гиней на 5 — й граф Роузбери и его жена Ханна Ротшильд на медовый месяц в 1878. Это было навесил в загородном доме семьи, Mentmore Towers и в своих лондонских резиденциях для века. В 1978 году картина, которая осталась в семье, был отдан в аренду в Национальной галерее Шотландии .

2010 аукцион

В марте 2010 года было объявлено , что картина будет приходить на аукцион 7 июля 2010 года Сотбис аукционного дома сказал , что картина продавалась потомок 5 — й граф Роузбери , чтобы помочь обеспечить будущее семьи сословий. Картина была оценена принести 18000000 £. Он отправился на просмотр в Нью — Йорке аукционный дом Сотбис с 29 апреля по 14 мая, прежде чем вернуться в Лондон для участия в аукционе. Картина, которая находится в безупречном состоянии, был описан Сотбис как «несомненно , одним из наиболее важных работ Тернера , когда — либо прийти на аукцион». Было объявлено , что если работа продана коллекционеру , который хочет , чтобы вывести его из Великобритании, они должны подать заявление на получение лицензии на экспорт в рамках национального культурного наследия . Временный запрет на экспорт будет затем поставить на место , чтобы позволить Национальной галереи Шотландии времени , чтобы поднять эквивалент денег , чтобы сохранить картину для публичной коллекции, хотя это не произойдет , если он был продан частному коллекционеру в Великобритании.

С 7 июля 2010 года картина была продана на аукционе за £ 29700000, который побил аукционный рекорд художника. Картина продается в течение пяти минут и была куплена в комнате дилером Хэзлитт Gooden и Fox , которые действовали от имени музея Гетти . Цена стала самой высокооплачиваемой за Тернером работать до этой даты — в конце этого был избит Рим, С горы Авентин в декабре 2014 года, который был продан за £ 30.3m. Соединенное Королевство Пересматривать комитет по экспорту произведений искусства и объектов культурного интереса заявил картина была «исключительной эстетической важности» и рекомендовала поставить экспортный бар на месте. Министр культуры Эд Vaizey принял эту рекомендацию и поставить планку на место 3 ноября 2010 года , продлится до 2 февраля 2011 года, с возможностью продления до 2 августа 2011 года бар изначально видел мало внимания в британской прессе, хотя один писатель для The Daily Телеграф против него.

внешняя ссылка

  • Современный Рим — Кампо Ваччино , J. Paul Getty Museum
  • Современный Рим — Кампо Ваччино в Tate.org

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *